Auswahl 2025 des deutschsprachigen Komitees EURODRAM: Verein für Theater und Übersetzung e.V. / Selection 2025 of the German-speaking EURODRAM committee
Hadar Galron, Pfeifen [שריקה / Whistle], Tel Aviv 2018, nach einer Erzählung von Jacob Buchan, Übersetzung aus dem Hebräischen von Matthias Naumann, Berlin 2023
Der/die Autor*in / The author
Jacob Buchan ist Prosaautor, die Erzählung basiert auf autobiografischen Erfahrungen mit seiner Mutter, die als Mengeles Sekretärin in Auschwitz arbeiten musste. Hadar Galron hat die Bühnenfassung geschrieben. Sie ist eine erfahrene israelische Dramatikerin, die zahlreiche Theaterstücke veröffentlicht und zumeist selbst inszeniert hat; zudem arbeitet sie als Schauspielerin und unterrichtet an Schauspielschulen.
Jacob Buchan is a prose writer, the story is based on autobiographical experiences with his mother, who had to work as Mengele’s secretary in Auschwitz. Hadar Galron wrote the stage version. She is an experienced Israeli playwright who has published numerous plays and directed most of them herself; she also works as an actress and teaches at drama schools.
Das Stück / The play
Der Monolog für eine Schauspielerin handelt von Tami, Tochter von Shoah-Überlebenden, die ein Leben lang unter dem Trauma der Eltern gelitten hat. Nun ist sie 45, ihr Mann verstorben, und zum ersten Mal sucht sie nach einem Weg, ihr Leben zu finden. Auf eindrückliche Weise verhandelt das Stück Fragen des transgenerationellen Traumas und wie sich die Erzählungen und Bilder der Shoah in den Lebenswegen der zweiten Generation weiter auswirken.
The monologue for an actress is about Tami, the daughter of Shoah survivors, who has suffered from her parents‘ trauma all her life. Now she is 45, her husband has died, and for the first time she is looking for a way to find her life. In an impressive way, the play deals with questions of transgenerational trauma and how the stories and images of the Shoah continue to affect the lives of the second generation.
Matthias Naumann ist Autor und Übersetzer von Theatertexten sowie Verleger. Er übersetzt aus dem Hebräischen, u.a. Hanoch Levin, Maya Arad Yasur, Noa Lazar-Keinan, Hadar Galron, Joshua Sobol und Yonatan Levy. www.matthias-naumann.de
Matthias Naumann is an author and translator of theatre texts as well as a publisher. He translates from Hebrew, including Hanoch Levin, Maya Arad Yasur, Noa Lazar-Keinan, Hadar Galron, Joshua Sobol and Yonatan Levy. www.matthias-naumann.de
Auswahl 2025 des deutschsprachigen Komitees EURODRAM: Verein für Theater und Übersetzung e.V. / Selection 2025 of the German-speaking EURODRAM committee
Tomáš Ráliš, Sorex [Sorex / Sorex], Prag 2020, Übersetzung aus dem Tschechischen von Maira Neubert, Berlin 2023
Der/die Autor*in / The author
TOMÁŠ RÁLIŠ ist Dramatiker und Regisseur in der Tschechischen Republik mit abgeschlossenem Studium der Theaterregie an der DAMU in Prag. Er ist der einzige dreifache Gewinner des renommierten Evald-Schorm-Preises für junge Dramatiker. Dieser goldene Hattrick umfasst die Stücke „Sorex“, „20/21“ und „Spotřeba druhu / Consumption of the Species“. Sein Debütstück „Safety Belts“ wurde mit einem Stipendium der Tisch School of the Arts in New York ausgezeichnet, das ihm den Besuch von Kursen an der Playwrights Horizons Theater School ermöglichte. Derzeit arbeitet er an mehreren neuen Stücken in kreativen Projekten: Fabulamundi.Playwriting Europe unter der Schirmherrschaft von Divadlo Letí, Drama Revival, organisiert vom Tschechischen Theaterinstitut, und in Residenz am Nationaltheater in Prag im Studio für Neues Drama. Im Jahr 2023 stellte das Forum Drama Panorama Tomáš Ráliš mit einer szenischen Lesung einer Übersetzung seines Stücks Sorex von Maira Neubert bei den Neuen Übersetzungen internationaler Dramatik in Berlin vor. Im selben Jahr erhielt er den Preis des Ministers für Bildung, Jugend und Sport für herausragende Studierende und Absolventen für seine hervorragenden akademischen Leistungen und zahlreichen Erfolge im Bereich Theater. 2024 gewann er den Preis der tschechischen Theaterkritiker als „Talent des Jahres 2023“ und begann, sich als Dramatiker und Regisseur auf der internationalen Bühne zu etablieren. Er war einer der ausgewählten Autoren, die am renommierten Internationalen Workshop des Obrador d’estiu in der Sala Beckett in Barcelona teilnahmen, wo sein Werk im Rahmen des GREC-Festivals in einer szenischen Lesung auf Katalanisch präsentiert wurde.
TOMÁŠ RÁLIŠ is a playwright and director from the Czech Republic, a recent graduate of Prague’s DAMU in theatre directing. He is the only three-time winner of the prestigious Evald Schorm Prize for Young Dramatists. This golden hattrick include plays Sorex, 20/21, Spotřeba druhu / Consumption of the Species. His debut play Safety Belts was awarded by a scholarship at the Tisch School of the Arts in New York, which allowed him to attend classes at Playwrights Horizons Theater School. Currently working on several new plays in creative projects: Fabulamundi.Playwriting Europe under the auspices of Divadlo Letí, Drama Revival organized by the Czech Theatre Institute and in residency at the National Theatre in Prague called Studio for New Drama. In 2023, the Drama Panorama forum introduced Tomáš Ráliš with a staged reading of a translation of his play Sorex by Maira Neubert at the Neue Übersetzungen internationaler Dramatik in Berlin. In the same year, he received the Award of the Minister of Education, Youth and Sports for Outstanding Students and Graduates for his excellent academic results and numerous achievements in the field of theatre. In 2024 he won the Czech Theatre Critics‘ Award for Talent of the Year 2023 and began to establish himself on the international stage as a playwright as well as a director. He was one of the selected authors who participated in the prestigious International Workshop of the Obrador d’estiu at the Sala Beckett in Barcelona, where his work was presented in a stage reading in Catalan as part of the GREC festival.
Das Stück / The play
Sorex – zu deutsch: Waldspitzmaus – spielt in der deutsch-tschechischen Grenzregion. Ein ausländisches Gastarbeiter-Paar arbeitet und lebt unter prekären Bedingungen in einem ausländerfeindlichen Milieu. Gleichzeitig wird die Ehe eines tschechischen Paares, das in der Arbeiterunterkunft arbeitet, erzählt. Auch sie leben prekär, das Eheleben ist zerrüttet. Der dumpfe Hass gegen die ausländischen Arbeiter ist der Unterton ihres Alltags. In parallelen Szenen versuchen Spitzmäuse verzweifelt, sich am Leben zu erhalten. Sie müssen täglich ein Vielfaches ihres eigenen Körpergewichts an Nahrung finden, um zu überleben. Eine Metapher auf das tägliche Ringen der Arbeiter*innen. Als Frema, die Arbeiterin, nach einem schweren Unfall ins Krankenhaus kommt, stürzt sich ihr Mann in das Nachtleben der Stadt, das von Rotlicht und Drogen geprägt ist. Auch die tschechische Frau, Hema, geht aus, nachdem sie ihren Mann verlassen hat. Das Stück strebt rauschhaft seinem Höhepunkt entgegen, die beiden begegnen sich. Mit fatalen Folgen.
Sorex – in English: shrew – is set in the German-Czech border region. A couple of foreign guest workers work and live under precarious conditions in a xenophobic environment. At the same time, the film tells the story of the marriage of a Czech couple who work in the workers‘ accommodation. They also live precariously, their married life is broken. The dull hatred against the foreign workers is the undertone of their everyday life. In parallel scenes, shrews desperately try to keep themselves alive. They have to find food many times their own body weight every day in order to survive. A metaphor for the daily struggle of the workers. When Frema, the worker, is hospitalised after a serious accident, her husband throws himself into the city’s nightlife, which is characterised by red light and drugs. The Czech woman, Hema, also goes out after leaving her husband. The play reaches its ecstatic climax as the two meet. With fatal consequences.
MAIRA NEUBERT studiert slawische Sprachen und Literaturen mit Tschechisch als Studiengangsprache an der Humboldt Universität Berlin. Im Rahmen einer Ausschreibung der Theaterfakultät der Akademie der Musischen Künste in Prag (DAMU) hat sie Sorex, das in Tschechien den Evald Schorm Schorm Preis gewonnen hatte, ins Deutsche übersetzt. Seither ist sie übersetzerisch tätig. Sorex und ein weiteres Stück einer tschechischen Autorin wurden im Rahmen von Theaterfestivals in Berlin szenisch aufgeführt. Im Moment übersetzt sie ein neues Stück von Tomáš Ráliš, das 2026 in einer Anthologie tschechischer Gegenwartsstücke im Neofelis Verlag erscheinen wird. Neben ihrem Studium arbeitet Maira Neubert für den TV Sender Deutsche Welle.
MAIRA NEUBERT studies Slavic languages and literatures with Czech as a degree programme language at the Humboldt University of Berlin. She translated Sorex, which won the Evald Schorm Schorm Prize in the Czech Republic, into German as part of a competition organised by the Theatre Faculty of the Academy of Performing Arts in Prague (DAMU). She has been working as a translator ever since. Sorex and another play by a Czech author have been staged at theatre festivals in Berlin. She is currently translating a new play by Tomáš Ráliš, which will be published in an anthology of contemporary Czech plays by Neofelis Verlag in 2026. Alongside her studies, Maira Neubert works for the TV broadcaster Deutsche Welle.
Anlässlich der Premiere des Stückes GÖTTERSPIEL [Voskhod bogov / Восход богов / Rise of the Gods] am 30. Mai in der Regie von Elmo Nüganen in Tallin führte Laur Kaunissaare, Chefdramaturg des Russischen Theaters in Estland, ein Interview mit Wolfgang Barth (EURODRAM: Verein für Theater und Übersetzung e. V.) über eines der Auswahlstücke 2025 des deutschsprachigen Komitees:
Marius Ivaškevičius, Götterspiel – Theatrale Untersuchung eines Kriegsverbrechens [Voskhod bogov / Восход богов / Rise of the Gods], Vilnius 2022; Übersetzung aus dem Russischen von Ruth Altenhofer, Johanna Marx und Claudia Zecher, Wien 2024
Laur Kaunissaare: Wie und aus wie viel Stücken wurde „Götterspiel“ europaweit ausgewählt?
Wolfgang Barth: In diesem Jahr (Einreichung von übersetzten Theaterstücken in die Komitees der jeweiligen Zielsprachen des Gesamtnetzwerkes EURODRAM https://eurodram.org/ ) wurden 373 Texte in 16 Sprachenkomitees eingereicht. Die jeweils drei Auswahlstücke stammten aus insgesamt 21 Ursprungssprachen: https://eurodram.org/2025-selections/ .
Das von von Ruth Altenhofer, Johanna Marx und Claudia Zecher aus dem Russischen ins Deutsche übersetzte Stück von Marius Ivaškevičius, Götterspiel, wurde entsprechend ins Deutschsprachige Komitee EURODRAM eingereicht. Es wurde unter 30 eingesandten Stücken aus 14 Ursprungssprachen (Albanisch, Bulgarisch, Dänisch, Englisch, Flämisch, Französisch, Hebräisch, Italienisch, Kroatisch, Ladinisch, Russisch, Schweizerdeutsch [Bern], Tschechisch und Ukrainisch) in die AUSWAHL 2025 gewählt (https://eurodram.de/ ).
Von den derzeit 25 Mitgliedern des Komitees waren 17 aktiv an der Jury beteiligt und erstellten eine Shortlist. Dazu wird jedes Stück von mindestens drei Mitgliedern gelesen. Die Stücke der Shortlist müssen von allen an der Auswahlentscheidung beteiligten Mitgliedern gelesen werden. An dieser Entscheidung nach einem Punktesystem und nach eingehender Diskussion waren in diesem Jahr 14 Mitlieder beteiligt.
Die Stärke des Auswahlkomitees beruht auf der Vielzahl der Qualifikationen der in unterschiedlichen Theaterbereichen tätigen Mitglieder (https://eurodram.de/about/), die in der Auswahl zum Tragen kommen. Dabei bleibt jedes Mitglied unangefochten autonom. Die folgenden Antworten stellen also die persönliche Meinung des Interviewpartners dar, der das Auswahlverfahren koordiniert hat.
LK: Was zählt für Sie als eine besondere Qualität dieses Stückes?
WB: Bei der Bewertung hatte ich mir notiert: „Alleine schon wegen des dokumentarischen Wertes ein Muss. Überzeugend durch die Sprache und durch die von den Frauen verkörperte Thematik“ / „Der Dokumentar-Hauptteil in Mariupol ist eingebettet in eine fiktive Theaterinszenierung (Casting; Zuteilung der Rolle Annas zu mehreren Schauspielerinnen; Kommentare, Spannungsfeld „Stimme“ und Schauspielerinnen)“ / „Thematik: Rolle der Frau im Theater und in der Gesellschaft, besonders im Krieg: Ausbeutung, Vergewaltigung, Abhängigkeit“ / „Die Mariupol- [und Flucht-]szenen sind in ihrem Grad der Realitätswiedergabe sehr bewegend, grausam und kaum auszuhalten.“
Die besondere Qualität des Stückes geht aber darüber hinaus: Es bringt die Szenenbereiche Theater und Krieg bezüglich der Gewalts- und Missbrauchsverhältnisse auf einen gemeinsamen Nenner. Theater: „Das ist Macht! Perfide Macht.“, S.6. Krieg: „Ich kenne nur einen, wenn er denn existiert, der so agiert – der mit der einen Hand tötet, mit der anderen Leben schenkt. Aber hier geht es um Macht. Grenzenlose Macht.“, S. 81. Die Rollenverteilung ist klar und zeigt sich auf der Opferseite im grausamen Schicksal Mantas, im Alptraum Annas aus ihrer Kindheit, der dann in Mariupol Wirklichkeit wird, oder im „Penissee-Traum“ der Schauspielerin Sa oder im „Putin-Traum“ der Schauspielerin Na einerseits, andererseits auf der Täterseite z. B. im perfiden Lügenspiel des Kommandanten mit Anna auf einem „höheren“ Level als dem des physischen Missbrauchs: „[…] du [hast] zwei Personen … Eine versteckst du im Keller, die andere rennt im Kugelhagel hin und her und sucht sie.“ Die Opfer sind in der Regel weiblich: „Diese ganze Gewalt … die Gewalt gegenüber Frauen im Krieg. Und nicht nur im Krieg – im Krieg nimmt sie nur ganz andere Dimensionen an.“, S. 83.
Eine weitere Qualität liegt im Aufbau und der Grundidee der Strukturierung: Es ist nicht mehr zu unterscheiden, ob wir uns bei der Theaterprobe oder im Kriegsbericht befinden, und so stellt sich automatisch die Frage nach der Rolle und den Wirkungsmöglichkeiten des Theaters angesichts der Gewalt: „Wenn einer in der Hölle beschließt, Theater zu spielen, warum kann das Theater ihn dann nicht entlarven?“, S. 79.
LK: Das Stück erzählt über den Krieg in der Ukraine, über die Möglichkeit zur Liebe in Zeiten des Krieges. Wie leben in einer sehr audiovisual geprägten Zeit. Gibt es besondere Herausforderungen oder Nuancen beim dramaturgischen Darstellen von Gewalt und Krieg im Theater?
WB: Die besonderen Herausforderungen werden im Stück z. B. von der „Stimme“ direkt benannt: „Eine Nacherzählung […] funktioniert in diesem Krieg nicht. Die Leute machen Selfies und sterben im Livestream. Das ist ein Krieg, in dem die Flugbahn jeder einzelnen Kugel von allen Seiten gefilmt wird.“, S. 16. Das daraus folgende Postulat an das Theater: „[Du bist] mittendrin und spürst diesen Horror am eigenen Arsch … und zwar so, dass wir deine Pisse riechen. Und den nassen Fleck auf deinem friedlichen Hintern sehen.“
Wie weit soll dieses Postulat gehen? Obwohl ich keine Vorliebe für das „In-Yer-Face Theatre“ habe, muss ich zugeben: Nichts ist mir so sehr im Gedächtnis geblieben wie die fürchterlichen Szenen in Natalka Vorozhbyts ukrainischem Film Bad Road oder die drastische Beschreibung des Ertrinkens im Stück L’Homme qui flotte dans ma tête der französischen Autorin Veronika Boutinova oder die schonungslos realistische Beschreibung der Misshandlungen und Verletzungen der Opfer sexueller Gewalt im Stück „J’avais un vagin en forme de cœur“ derselben Autorin.
Ich mache mir ihren Satz zu eigen: „Wenn man davon nicht spricht, wenn man nicht hinsieht, werden die Opfer noch einsamer und noch mehr sich selbst überlassen sein.“
Nuancen und Haltung sind aber notwendig. Hannah Ahrendt sagt: „Ich bin in der Tat heute der Meinung, dass das Böse immer nur extrem ist, aber niemals radikal, es hat keine Tiefe, auch keine Dämonie. Es kann die ganze Welt verwüsten, gerade weil es wie ein Pilz an der Oberfläche weiterwuchert. Tief aber, und radikal ist immer nur das Gute.“ Es ist eine besondere Qualität des Stückes, im „Putin-Traum“ ebenso von diesem „Pilz“ zu sprechen, dann aber, als der Diktator sich plötzlich zum betroffenen Kind verwandelt, zu resümieren: „Ich glaube, wenn wir alle unsere Menschlichkeit verlieren, dann … Dann wird das Böse siegen. Und auch wenn ich weiß, dass die Ungerechtigkeit und Brutalität momentan einfach astronomische Ausmaße annehmen, kann ich mir das nicht erlauben.“, S. 91. Marius Ivaškevičius trifft sich hier mit Maya Arad Yasur, deren Stück „Wie man nach einem Massaker humanistisch bleibt in 17 Schritten“ (Leseliste für die Auswahl 2025) diesen Aspekt nicht außer Acht lässt.
LK: Elon Musk sagte neulich, Empathie sei überbewertet. Wahrscheinlich gibt es viele Menschen, die Erschöpftheit, Müdigkeit empfinden vom Mitgefühl, auch Kriegsmüdigkeit. Was kann Theater in diesem Zusammenhang, was andere Kunstarten nicht können?
WB: Der Aussage Elon Musks steht ein Satz Hannah Ahrendts gegenüber: „Der Tod der menschlichen Empathie ist eines der frühesten und deutlichsten Zeichen dafür, dass eine Kultur gerade in Barbarei verfällt.“ In dieser Auseinandersetzung haben Theater und audiovisuelle Medien, wenn sie gut sind, die besondere Fähigkeit, im unmittelbaren Erleben eine Nähe zum Gezeigten herzustellen, die Voraussetzung für das Verstehen und Empathie sind. Es werden über die künstlerischen Gestaltungsmöglichkeiten bedeutungsvolle Aussagezusammenhänge unmittelbar erschlossen, die wirkungsvoller als abstrakte Erläuterungen sind und Lügen als solche direkt erkennbar machen. Wenn Musks gefährliches Handeln internationale Ausmaße annimmt, muss das Theater in gleicher Weise dagegen wirken: Die Übersetzerinnen Ruth Altenhofer, Johanna Marx und Claudia Zecher haben dazu durch ihre Übersetzung von „Götterspiel“ ins Deutsche einen wesentlichen Beitrag geleistet.
Laur Kaunissaare, Tallin Wolfgang Barth, Bremen 01.04.2025
Auswahl 2025 des deutschsprachigen Komitees EURODRAM: Verein für Theater und Übersetzung e.V. / Selection 2025 of the German-speaking EURODRAM committee
Marius Ivaškevičius, Götterspiel – Theatrale Untersuchung eines Kriegsverbrechens [Voskhod bogov / Восход богов / Rise of the Gods], Vilnius 2022; Übersetzung aus dem Russischen von Ruth Altenhofer, Johanna Marx und Claudia Zecher, Wien 2024
Der/die Autor*in / The author
Marius Ivaškevičius, geboren am 26. März 1973. Schriftsteller, Dramatiker und Filmregisseur. Seine Stücke wurden in Litauen, Russland, Italien, Frankreich, Polen, Finnland, Lettland, Estland, Tschechien, Rumänien und Neuseeland aufgeführt und von folgenden Regisseuren inszeniert: Kirill Serebrennikov, Oskaras Korshunovas, Rimas Tuminas, Mindaugas Karbauskis, Arpad Shilling, Aleksandar Popovski u.a.
Marius Ivaškevičius, born March 26, 1973, is a writer, playwright and film director. His plays have been performed in Lithuania, Russia, Italy, France, Poland, Finland, Latvia, Estonia, the Czech Republic, Romania and New Zealand and have been directed by Kirill Serebrennikov, Oskaras Korshunovas, Rimas Tuminas, Mindaugas Karbauskis, Arpad Shilling, Aleksandar Popovski and others.
Das Stück / The play
„Götterspiel – Theatrale Untersuchung eines Kriegsverbrechens“ ist der Versuch über Krieg und Gewalt aus der Sicht von Frauen zu erzählen. Die Handlung des Stückes beschreibt die Reise des litauischen Filmregisseurs Mantas Kvedaravicius und seiner Frau Anna im März 2022 nach Mariupol, wo Mantas verhaftet und ermordet wird. Nach einer langen und dramatischen Suche findet Anna Mantas‘ Leichnam und bringt ihn zurück nach Litauen, mit im Gepäck hat sie das gesamte in der Ukraine gedrehte Filmmaterial. Der Dokumentarfilm „Mariupolis 2″ von Mantas K vedaravicius wurde posthum bei den Filmfestspielen in Cannes zum ersten Mal gezeigt.
„Götterspiel – Theatrical Investigation of a War Crime“ is an attempt to tell a story about war and violence from the perspective of women. The plot of the play describes the journey of Lithuanian film director Mantas Kvedaravicius and his wife Anna to Mariupol in March 2022, where Mantas is arrested and murdered. After a long and dramatic search, Anna finds Mantas‘ body and brings him back to Lithuania, taking all the film footage shot in Ukraine with her. The documentary film „Mariupolis 2“ by Mantas K vedaravicius was shown posthumously for the first time at the Cannes Film Festival.
Förderungen, Preise / Grants, awards
Vier seiner Stück erhielten den Best Lithuanian Play award (2002, 2004, 2011, 2015), eines den russischen Theaterpreis Goldene Maske (2017).
Four of his plays were awarded the Best Lithuanian Play Prize (2002, 2004, 2011, 2015), one of them the Russian theater prize Golden Mask (2017).
Ruth Altenhofer: Geboren 1979, in Wien Slawistik studiert, 2005 bis 2010 bei Caritas und Rotem Kreuz angestellt, Zwillinge bekommen, freiberufliche Übersetzerin seit 2015. übersetzt für Diogenes Sasha Filipenko und seit 2016 laufend journalistische Texte für Dekoder und anderes.
Born in 1979, studied Slavic studies in Vienna, employed by Caritas and the Red Cross from 2005 to 2010, had twins, freelance translator since 2015, translates Sasha Filipenko for Diogenes and has been translating journalistic texts for Dekoder and others since 2016.
Johanna Marx: Geboren 1979, Studium am Zentrum für Translationswissenschaft der Universität Wien (Russisch, Spanisch). Seit 2010 freiberufliche Übersetzerin und Dolmetscherin, übersetzt u.a. Andrej Kurkow für den Diogenes Verlag (gemeinsam mit Claudia Zecher). Seit 2011 Länderreferentin bei ACCORD/Österreichisches Rotes Kreuz, seit 2022 Recherchekoordinatorin ebd.
Born in 1979, studied at the Centre for Translation Studies at the University of Vienna (Russian, Spanish). Freelance translator and interpreter since 2010, translates Andrej Kurkow and others for Diogenes Verlag (together with Claudia Zecher). Since 2011 country liaison officer at ACCORD/Austrian Red Cross, since 2022 research coordinator ibid.
Claudia Zecher: Studium am Institut für Übersetzer- und Dolmetscherausbildung, Universität Wien (Russisch, Spanisch). Seit 1996 freiberufliche Übersetzerin und Dolmetscherin, arbeitet seit 1997 bei der IG Übersetzerinnen Übersetzer, seit 1998 Lektorin am Zentrum für Translationswissenschaft. übersetzt u.a. Andrej Kurkow für den Diogenes Verlag (gemeinsam mit Johanna Marx).
Studied at the Institute for Translator and Interpreter Training, University of Vienna (Russian, Spanish). Freelance translator and interpreter since 1996, has worked for IG Übersetzerinnen Übersetzer since 1997, lecturer at the Centre for Translation Studies since 1998. Translates Andrei Kurkov, among others, for Diogenes Verlag (together with Johanna Marx).
Lotte Reiniger ist die bekannteste unbekannte Künstlerin der Filmgeschichte und Regisseurin des ersten erhaltenen abendfüllenden Trickfilms: Die Abenteuer des Prinzen Achmed, uraufgeführt am 2.5.1926 in der Volksbühne Berlin.
Das fantasievolle Energiepaket Malin und der (zunächst) lethargische Looser Joost finden unter ablehnendem Spießerblick zueinander und schaffen eine neue Welt. Am Ende bleiben die Siebenschläfer und das durchlöcherte Objekt. In der Diskussion wurden viele Missverständnisse geklärt.
Abschluss des Theaterfestivals. Hervorragende Darstellungen. Intensive Diskussionen zu den Dimensionen der Stücke. Weitere Auskünfte beim Deutschsprachigen Komitee EURODRAM und dem Theaterhaus G7.
Wir bedanken uns herzlich beim Theaterhaus G7 und dessen Förderern Kulturamt der Stadt Mannheim, LBBW-Stiftung, Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.
Mit ihrem Stück "24 frames/sec - Theater-Feature zu Lotte Reiniger, Pionierin des Trickfilms" kam Rike Reiniger in die Auswahl 2024 des deutschsprachigen Komitees EURODRAM.
Jetzt arbeitet die Autorin an einem biografischen Roman über Lotte Reiniger.
Am 19. September 2024 fand die deutsche Erstaufführung von Marias Velascos Stück "Ich will die Menschen ausroden von der Erde", übersetzt von Franziska Muche, Auswahlstück 2023, im Theaterhaus G7 in Mannheim in der Regie von Pascal Wieandt statt.
Maria Kroupnik, coordinator of the Russian-language committee Eurodram, asks us to draw your attention to the following call for submissions of plays by authors from Belarus, Germany, Latvia, Lithuania, Poland, Russia, Ukraine, and Estonia, even if they live in exile. Deadline for submissions: 10 October 2023.
We are happy to comply with this request:
“ Director and Dramaturgy Lab „Focal Point“ in Berlin Playwriting Competition: Submit Your Plays by October 10, 2024 Here are the key requirements:
We welcome plays written by authors from Belarus, Germany, Latvia, Lithuania, Poland, Russia, Ukraine, and Estonia, as well as by authors from these countries who have been living in exile between 2022 and 2024.
The plays should reflect, in an artistic form, the events and changes of recent years. Possible themes include the human condition during wartime, relationships between people, transformations in the consciousness of Europeans, refugees, or emigrants, or other topics related to the political and historical events of 2022–2024.
Plays may be written in the author’s native language, but if you have a translation in English or German, please submit that as well.
Please send your play (in PDF format) along with the application form (available for download on our website, link in bio) to project@urban-theater.com by 11:59 PM on October 10.
Fayer Koch konnte bei der Vorstellung der Stücke der Auswahl 2024 beim DramatikerInnenfestival in Graz am 25.05.2024 nicht anwesend sein. Das Gespräch führte Lorena Pircher [Vorstellung siehe unten] nachträglich.
Lorena Pircher: Liebe*r Fayer, vielen Dank, dass wir dieses Interview mit dir führen dürfen! Herzliche Gratulation nochmals, dein Stück Anorexia Feelgood Songs ist neben Rike Reinigers 24 frames/sec und Caren Jeß´ Ave Joost vom deutschsprachigen Komitee EURODRAM mit der Auswahl 2024 prämiert und im Rahmen des Dramatiker:innenfestivals in Graz in Ausschnitten inszeniert und gelesen worden. Das Stück feierte aber schon vorher große Erfolge und ist im Rowohlt Theaterverlag erschienen.
Weshalb hast du dich entschieden, dieses Stück zu schreiben? Möchtest du über den Schreibprozess zu diesem Werk erzählen?
Fayer Koch: Als Teeanger*in war ich selbst magersüchtig. Ich bin als queere Person in einem Umfeld aufgewachsen, in dem Menschen wie ich nicht vorkamen, und hab mich mit Männlichkeitserwartungen immer unwohl gefühlt. Gleichzeitig gab es für mich kein Entkommen – ich war noch zu jung, um von zuhause auszuziehen, kannte niemanden außerhalb meiner Heimatstadt und hatte dieses typische Teenager-Gefühl, dass niemand auf der Welt so sei wie ich. Mein Essverhalten war ein Versuch, in dieser Situation Handlungsmacht zu spüren, etwas – irgendetwas – zu kontrollieren.
Meine Magersucht endete mit Anfang zwanzig, aber als eine Art von Trauma trage ich die Erfahrungen natürlich bis heute in mir. Ich wollte von Anfang an über meine Erfahrungen schreiben, wusste aber intuitiv, dass ich Abstand brauchen würde, um die Krankheit als literarisches Material denken zu können. Ich musste das Thema also fast zehn Jahre ruhen lassen, bevor ich das Gefühl hatte, mit dem Sprechen beginnen zu können.
Im Schreiben habe ich dann versucht, die Frage nach dem Warum so gut es geht auszublenden. Es ist die erste Frage, die in jedem Gespräch über Magersucht fällt, und die Antwort ist langweilig und (zumindest in meinem Fall) größtenteils erwartbar. Stattdessen konzentrierte ich mich auf den Umgang mit der Krankheit. Es ging mir also um die hilflosen Versuche des Umfelds, der Magersucht zu begegnen, und die hilflosen Versuche der Betroffenen, in der Erkrankung ihre Würde zu bewahren.
Lorena: Anorexia Feelgood Songs ist ein beeindruckendes Werk, das vor dem Hintergrund von Sommerferien und jugendlicher Unbeschwertheit immer noch tabuisierte Themen benennt und episodenhaft das Leben eines Jungen porträtiert. Möchtest du etwas über die wichtigen gesellschaftskritischen Aspekte sagen, die dein Theaterstück aufzeigt? Welche Themen werden darin behandelt und verhandelt?
Fayer: Meine eigene Magersucht hing viel mit dem Wunsch zusammen, ein Mann zu sein, es aber einfach nicht richtig zu schaffen. Heute habe ich ein Vokabular und eine Community, um mich von diesen Erwartungen lösen zu können, aber damals drang alles ganz ungefiltert auf mich ein. Der Protagonist in Anorexia Feelgood Songs fühlt sich ganz und gar in den Erwartungen verloren. Seine harmoniebetonten Eltern sind unfähig, wirklich empathisch mit ihm zu sein, und auch den Freund*innen fehlen die Worte, um ehrlich über Ängste und Wünsche zu sprechen. So müssen alle Figuren in diesem Stück ihre Gedanken und Gefühle immer bloß umkreisen, jeder ehrliche Moment wird schnell wieder zugedeckt von der Illusion einer „heilen Welt“. In der Diskussion dessen, was ein richtiger Umgang mit der Krankheit sein könnte, wirft das Stück dann konkrete ethische Fragen auf: Wie kann sich ein Umfeld richtig verhalten? Bis zu welchem Punkt dürfen wir über unseren Körper selbst bestimmen, wenn unsere Entscheidungen selbstzerstörerisch sind?
Lorena: Faszinierend und äußerst gelungen habe ich neben der Dekonstruktion von stereotypen Männlichkeitsbildern und der Auseinandersetzung mit dem Körperlichen in deinem Stück auch den Einsatz eines musikalischen Rhythmus gefunden, den Einsatz der “Songs”, die im Titel benannt werden. Welche Rolle nimmt die Musik beim Schreiben deiner Texte ein, welche Rolle innerhalb deiner Texte?
Fayer: Während des Schreibens höre ich eigentlich konstant Musik. Schreiben ist eine ermüdende Tätigkeit für mich, ohne Musik habe ich das Gefühl, noch schneller in die Trägheit des blassen Computerbildschirms abzugleiten. Vielleicht sind deshalb meine Texte oft sehr rhythmisch. Speziell an Anorexia Feelgood Songs war für mich, dass ich mich im Prozess explizit Musik zugewandt habe. Ich hatte die Hoffnung, dass das leichte und unverbindliche Feeling von Pop Hits eine Erleichterung in der bedrückenden Thematik bieten könnte. Magersucht ist ja ein unglaublich deprimierendes Thema, wo es eigentlich kaum Erleichterung drin gibt. Deshalb war mir von Anfang an klar: Wenn ich über das Thema schreiben will, muss es gebrochen werden. Also gibt es jetzt Palmen, Sonne und eben auch die titelgebenden Feelgood Songs. Sie bilden eine Art unbeschwertes Hintergrundrauschen, ein kurzes Verschnaufen zwischen den Tränen – schöne Momente, die die Krankheit kontrastieren und sie dadurch noch klarer sichtbar werden lassen.
Lorena: Von welchen Emotionen, welchen Beziehungsgeflechten werden die Hauptfiguren in Anorexia Feelgood Songs geleitet? Welche Bedeutung haben Freundschaft und Solidarität?
Fayer: In Anorexia Feelgood Songs ist niemand böse. Alle haben die besten Absichten. Der Protagonist sagt es an einer Stelle selbst: Es gibt hier keine Missbrauchsstory. Keine Depression in der Familie. Kein Sportinternat. Das Umfeld ist fürsorglich und liebevoll. Doch gerade der reflektierte, betont gewaltfreie Umgang droht die Hauptfigur zu ersticken – die Normativität wirkt auch deshalb so stark, weil sie nicht benannt wird, weil oberflächlich alle sein können, wie sie wollen. Alles ist geglättet, die Rebellion hat keine Angriffsfläche und muss sich deshalb nach innen wenden.
Die Freund*innen des Protagonisten (die „Jungs“, wie er sie nennt) machen Mutproben, liegen am Kanal und trinken Alkohol. Sie sind durchaus solidarisch und rücksichtsvoll, aber eben auch gefangen in ihrer etwas unbeholfenen Art des Nicht- oder Nicht-wirklich-Kommunizierens.
Lorena: Ich habe gelesen, dass du auch erfolgreich Kurzprosa und Lyrik schreibst. Inwiefern würdest du sagen, dass das lyrische Schreiben dich in deiner dramatischen Arbeit beeinflusst? Oder sind das Schreiben von Poesie bzw. dramatischen Texten zwei völlig unterschiedliche kreative Ansätze für dich?
Fayer: Für mich ist das Schreiben von Lyrik und von Prosa ähnlich. Beides sind sehr verdichtete Formen. Ich denke ständig: Wie kann ich das, was ich sagen will, noch kompakter erzählen? Kann ich noch später in der Story einsteigen? Was kann übersprungen werden, was führt weg vom eigentlichen Kern?
Sowohl in Lyrik als auch in der Dramatik bekommt die Sprache selbst einen hohen Stellenwert. Ich feile manchmal ewig an einzelnen Formulierungen, sitze stundenlang vor dem offenen Dokument und habe letztlich nur einige Wörter in einem Satz umgestellt. Ich glaube, es ist ein lyrisches Arbeiten, ein Umgang mit Sprache wie mit einer schönen, aber auch delikaten Pflanze.
Drittens: Ich bin mit dem Internet aufgewachsen. Meine Aufmerksamkeitsspanne ist nicht riesig. Ich verliere schnell das Interesse. Ich lese selten Romane. Vielleicht schreibe ich auch deshalb so gerne Theaterstücke: Ich bin relativ schnell wieder damit fertig.
Lorena: Wie würdest du sagen, findest du Inspiration für deine Stücke? In der Beobachtung der Gesellschaft, einer Analyse unserer Gegenwart, beim Lesen, in anderen Kunstformen, in dir selbst?
Fayer: Unterschiedlich. Anfang diesen Jahres habe ich ein Auftragswerk für das Theater der jungen Welt in Leipzig geschrieben. Dort wurde mir das Thema („Dinosaurier“) sowie die Zielgruppe („ab 6 Jahre“) vorgegeben. Ich habe dann überlegt, welche Themen und Fragestellungen mich rund um diese Vorgaben interessieren und habe einen Plot entwickelt, der vom Aussterben, dem Erinnern und transgenerationalem Trauma handelt.
Nun schreibe ich an einem Stück über rechte Männerwelten im Internet. Auf dieses Thema bin ich über Podcasts und Artikeln in Zeitungen gestoßen, habe mich dann in Internetforen registriert und mit der Recherche begonnen.
Generell ist das Finden von Themen für mich kein großes Problem, ich habe meistens mehr Ideen als Zeit. Die wirkliche Aufgabe besteht dann darin, unter verschiedenen Themen zu priorisieren und auszuwählen. Dabei helfen mir meine Freund*innen.
Lorena: Darf ich dich fragen, woran du derzeit arbeitest, was dein neuestes Projekt ist und welche Hauptthemen es umfasst?
Fayer: Gerade arbeite ich parallel an zwei Projekten: Das oben erwähnte Stück über Männer im Internet und außerdem eine Operette zum Thema „Friedliche Revolution“ und Wendezeit, die 2025 in Leipzig aufgeführt werden wird.
Lorena: Ich bedanke mich ganz herzlich für deine Antworten und deine Zeit, liebe*r Fayer!
Lorena Pircher
Lorena Pircher wurde 1994 in Südtirol, Italien, geboren. Sie studierte Vergleichende Literaturwissenschaften, Englisch und Französisch in Wien und Frankreich und machte nach Abschluss eine Ausbildung zur Buchhändlerin. Sie lebt und arbeitet in Wien, schreibt Lyrik und Kurzprosa und übersetzt aus dem Italienischen und Französischen ins Deutsche.
Lorena Pircher ist Mitglied im deutschsprachigen Komitee EURODRAM.
Dank der Förderung durch den Deutschen Literaturfonds konnten wir die Übersetzerinnen der Auswahl 2023, Stefanie Gerhold, Franziska Muche und Barbara Buri bitten, eine weitere Übersetzung aus der Sprache ihres Stückes der Auswahl ins Deutsche anzufertigen.
"María Velasco hat letzte Woche den Premio Nacional de Literatura Dramática gewonnen - für Erstes Blut. Nun bin ich um so froher und dankbarer, dass ich es dank Eurer Unterstützung schon übersetzen konnte.
Früherer Preis: XXXI Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela 2022
Entstehung/ Publikation: 2021/2023. Verlag: La Uña Rota. Uraufführung am 26.04.2024 im Centro Dramático Nacional in der Regie von Maria Velasco in einer Kooperation mit dem Teatro Nacional de Catalunya, wo es im November 2024 noch einmal gezeigt wird. Weitere Aufführungen finden 2024/25 in Valencia und Sevilla statt – und hoffentlich bald auch international.
Zum Überblick hat Franziska Muche den Text der Webseite der Uraufführung übersetzt:
"Das Theater hatte schon immer eine Beziehung zu den Toten und zur Figur des Wiedergängers: Zurückgekehrte werden auf der Bühne wiedergeboren und erzählen post mortem ihre Geschichte. In Erstes Blut geht es um ein in den 1990er Jahren entführtes und ermordetes Mädchen – der Fall wurde zu den Akten gelegt, der Mörder nie gefunden.
Im Stück ist Laura nicht mehr da und doch die ganze Zeit anwesend (die Toten respektieren die Totenruhe nicht). Laura interagiert mit ihren gleichaltrigen Nachbarn ihres Alters, mit dem Kommissar, der für den Fall zuständig war, und einer Erzieherin: Erziehen wir in einem Klima der Angst? Schützt Angst vor Gefahr oder verhindert sie das Leben? Ist Rape Culture eine Art offene Geheimgesellschaft, wie die Anthropologin und Aktivistin Rita Laura Segato sagt? Welche Missbrauchsstrukturen haben wir verinnerlicht?
Erstes Blut kommt als Autofiktion, Thriller und Gespenstergeschichte daher und zwingt uns, über den Missbrauch in der Kindheit nachzudenken, der im Körper vieler Frauen fortlebt. Poetisch und eindringlich lädt Erstes Blut uns dazu ein, uns zu erinnern; viele zu sein.
Anmerkung der Autorin und Regisseurin María Velasco
Laura wurde 30 Jahre nach ihrem Tod wieder in mir lebendig: Als ein Freundin aus meiner Heimatstadt mir erzählte, dass sie mit einem Mädchen schwanger sei, begann ich mit der Arbeit an diesem Text. Aber Lauras Foto – das Plakat mit dem großen Aufdruck „GESUCHT“ – habe ich immer vor Augen ge. Ich war damals genauso alt wie sie, das vermisste (und später ermordete) Mädchen, und lernte gerade, Bekanntes von Unbekanntem und Angst von Leichtsinn zu unterscheiden, so wie man lernt, Grün und Rot auseinanderzuhalten. Während meiner gesamten Pubertät schwankte ich zwischen diesen beiden Extremen hin und her, bis ich mir Hölderlins Satz zu eigen machte: "Wo Gefahr ist, wächst das Rettende auch".
Es stimmt nicht, dass Mädchen so erzogen werden wie Jungen: nachts darf man nicht überall auf die Straße gehen, Fremden sollte man nicht trauen, auch wenn sie freundlich sind ... „Nichts in der Welt konnte doch mit roten Schuhen verglichen werden!", heißt es in der Geschichte, in der die roten Schuhe die Anti-Heldin unermüdlich durch Wald und Feld tanzen lassen. Zum Glück haben wir in unserer Jugend – obwohl wir Angst hatten, oder vielleicht, um ihr etwas entgegenzusetzen – auch rote Schuhe getragen.
Erstes Blut ist ein Totentanz, eine Art verspätete Trauer um die in den 1990er Jahren ermordeten Mädchen – und um die Mädchen, die rausgegangen sind und sich dafür entschuldigt haben, weil sie das Gefühl hatten, dass der öffentliche Raum ihnen nicht gehört. Text, Musik und Tanz gehören hier zusammen, in einem Akt der Hauntologie (Heimsuchungslehre) und Nekromantie (Weissagung der Zukunft durch Totenbeschwörung).
María Velasco"
Im Folgenden finden Sie einen Auszug aus dem Stück: Anfang bis S. 8 und Seiten 22-26. Wenn Sie den gesamten Text lesen wollen, wenden Sie sich bitte an Franziska Muche <franziska.muche@drama-panorama.com>.
